Stranger Things (USA, 2016) Throwback al modo de vida de los 80s.

El verano de 2016 será recordado no por el infumable remake de "Ghostbusters" o por Suicide Squad, menos por Ben Hur o The Conjuring 2, el verano de este año será recordada por "The Infiltrator" que estelariza Bryan Cranston y "Stranger Things" exclusiva para Netflix, una película y una serie con presupuestos modestos, pero hechas con pasión y talento.

Por: Deadman.
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Introducción:

Éste es sin duda (y seguirá siendo) un espacio por y para el cine, sin embargo hay siempre honrosas perlas en el mar que brillan por su belleza, por su contenido o por sencillamente ser un fenómeno de cultura popular que destaque enormemente sobre un páramo gris y desolado en entretenimiento como, honestamente fue el verano del 2016 en las carteleras del cine... ante este paisaje, en una muestra más de genialidad y estrategia, Netflix lo vuelve a conseguir y lanza una mini serie de tan solo 8 episodios que conquistó los corazones de millones que ya piden a gritos una nueva temporada, siendo tan apabullante el éxito de audiencia, ni tardos ni perezosos desde las oficinas de Netflix no solo se autorizó una segunda temporada ya programada para inicios del 2017, si no que la cartera de Reed Hastings el poderosísimo CEO de la principal compañía de streaming del mundo se abrió de par en par para los hermanos Duffer y su proyecto ochentero que con un guión sencillo y apasionante por espada y la nostalgia por escudo atrapó la atención del mundo. ¿Están listos? pues... ¡Comenzamos!

TOP 10: Películas sobre drogas. Un auténtico viaje.

Las drogas siempre han sido un recurso potente en el cine, se han visto inmersas en todos los géneros posibles y son siempre un tema de polémica.

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La relación del cine con las drogas siempre ha sido compleja. En un principio éste era un tema tabú que prácticamente no era utilizado en ninguna película y pocos fueron los directores que se atrevieron a tratarlo de una forma directa. Pensemos que en aquella época en los Estados Unidos fumar tabaco en público era ilegal en 28 estados.

Una frase que resume el pensamiento de aquellos años es la que reza: “el cigarrillo es lo más destructivo para el alma, lo más subversivo para las buenas costumbres: la lucha contra el tabaco es una lucha por la civilización” (Herbert Clark Hoover. Presidente de los Estados Unidos de América 1931).

Candy (2006)

Además, muchos pensaban que las drogas era algo consumido únicamente por los negros (en la primera parte de El Padrino hay una secuencia en la que los mafiosos negocian como introducir el negocio de las drogas en los Estados Unidos y acuerdan venderlas en principio sólo a los negros a los que consideran como animales), ya que algunos defendían que existía una correlación entre la violación de mujeres blancas a manos de negros con el consumo de cocaína u opio, tanto así que en 1933, las asociaciones puritanas de USA comisionaron al senador Republicano Will H. Hayes para que establezca unas normas de moralidad que afectarán tanto a las películas como a los actores que participan en ellas. Hayes instaura en 1933 un código moral que lleva su nombre y en el que, entre otras lindezas, se recomienda que “el tráfico clandestino de drogas y uso de éstas no serán mostrados, en ningún filme. Fuera de las exigencias propias de la trama y de la pintura de los personajes, no se dará lugar al alcohol en la vida norteamericana”.

Evidentemente el paso del tiempo, la modernización cultural y social de los norteamericanos también se vio reflejada en una política más relajada con el tema, al grado que paulatinamente tuvimos de hecho, una alegoría al narcotraficante, a lo sensacional que resulta ser un experto en el tema y ser el alma de las fiestas alucinando y siendo el chalado y fumao de la reunión, siendo que esto es ahora un sinónimo de popularidad, poder y dominación sobre los demás, ya que de inicio no es un tema nada barato económicamente hablando. ¿comenzamos el paseo que el cine nos tiene deparados en una larga línea de coca? pues... ¡comenzamos!

Grandes Sagas: The Godfather. (1972/1974/1990) La definición del cine del siglo XX.

Perfección cinematográfica: The Godfather (1972) ha sido de los puntos más atesorados, más referentes y más respetados filmes en la historia del cine universal, sencillamente es un tesoro de la humanidad y sus artes.

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Introducción:

Una de las más grandes glorias del cine universal; "El Padrino" sencillamente lo cambió todo: desde la forma de narrar una historia, de mandar un mensaje, de relatar hechos y transmitir ideas a través de secuencias escénicas, al ojo inexperto en el tema podría parecer una película más de gangsters, el nombre mas "mainstream" del subgénero, a un ojo más educado ya comienzan a resaltar las enormes y obvias aportaciones del film de Francis Ford Coppola y Mario Puzo que irónicamente no gustaba siquiera de la novela best seller que él mismo escribió y cito: "meramente para ganar dinero" bajo sus propias declaraciones vendiendo en 12,500 dólares (de ese entonces) los derechos a Paramount para que se hiciese la adaptación cinematográfica de la novela de Puzo.

Cada detalle fue cuidado al milímetro, no solo en el vestuario y la ambientación, si no en cada gesto y movimiento corporal, reacciones emotivas y sensaciones de cada personaje; ésto fue llamado "Taste of Spaghetti" y fue una misión especial de la producción quienes, al más típico estilo de la mafia, solo aceptaron Italo-americanos e Italianos para los puestos clave.

Desde el mismísimo anuncio mismo del proyecto se supo que sería un acontecimiento que marcaría a la industria americana del cine, la comunidad llamada "Liga por los derechos civiles de los Italo-americanos" trató de sabotear y frenar el rodaje en muchas ocasiones, también sufrió reveces legales y trabas burocráticas por parte de legisladores del estado de Nueva York, llegando incluso dichos problemas hasta el congreso mismo de los Estados Unidos, afortunadamente las negociaciones terminaron con una hábil mediación del mismo Puzo, Paramount y Coppola con quienes sentían en el film una agresión racial y étnica que marcaría de manera negativa y contundente a todos los migrantes de la antigua Italia al tacharles de crueles, traidores, asesinos y timadores mafiosos.

Así pues, es como nació una de las sagas más importantes en la historia de este hermoso arte de contar historias a través de la imagen, el sonido y la composición. ¿Están listos para acudir a la cita en la Trattoria local con la familia Corleone? Pues... ¡Comenzamos!

Lights Out. (2016) Cuando las luces se apagan.

De nuevo James Wan metiendo hilo y sacando madeja de un género que el mismo se ha encargado de mantener vigente.

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Introducción:

Basada en un exitoso cortometraje realizado en 2013, el director sueco David F. Sandberg, realizador de un puñado de cortos de terror protagonizados todos por su esposa Lotta Losten, debuta en el largometraje en Hollywood apadrinado por James Wan, con una película de poco presupuesto, pero de grandes alcances. Ni duda cabe que el nombre de James Wan es garantía de una cosa: éxito en taquilla, tras ese confort para los estudios  y las distribuidoras, el debutante Sandberg nos regala en su ópera prima de largometraje una historia simple, pero que se desarrolla con ideas con mucho potencial, demostrando a su vez el enorme alcance de las influencias que Wan es ya para el terror contemporáneo.

Esta película explota uno de los temores más comunes de los niños, y algunos adultos, la obscuridad absoluta y la indefensión que podemos sentir por razón o instinto dentro de ella, la peli es entretenida, con una buena cantidad de sustos, sin muchos personajes, sin rollos iniciales aburridos, va directo al grano, para delicia de los fans del cine de terror, al final ha resultado ser poco más de lo que me esperaba: algunas de las ideas que muestra son interesantes, como interesantes son muchos de los recursos que utiliza a la hora de mantener en tensión al público, pero tal como me temía estamos ante un producto prefabricado que no sorprenderá demasiado a nadie. ¿Estás listo para echar un vistazo por el pasillo? pues... comenzamos!

Suicide Squad. (USA, 2016) El rompecabezas que jamás se completó.

Margot Robbie sigue robándonos el aliento cada que se lo propone.

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Tras una acalorada polémica contra el sitio de meta-crítica "Rotten Tomatoes", lo duros que fueron algunos críticos de renombre y como muchos "críticos" de pacotilla y Marveliebers de redes sociales destrozaron Escuadrón Suicida ¿En serio vamos a hablar de la película? ¿Le queda a alguien ganas de ir a verla con tanta gente diciendo que es mierda aguada?

La respuesta aquí en su blog de confianza es: SI, PUTA MADRE! y no por que  yo sea más fan del universo DC que del de Marvel, no señores, se trata de que nadie, especialista o no, va a decidir por mi que ver o no en el cine, así como nadie me va a decir u ordenar que haga una cosa  u otra en mi vida, yo tomo la decisión de tirar o no mi dinero en taquilla, de darle las oportunidades que quiera a Warner/DC y yo daré mi opinión totalmente PARCIAL (si, no me voy a adornar con virtudes que no tengo) y muy a mi propio criterio de lo que pasó con Suicide Squad por que creo que cada quien tiene o debería poseer su propia opinión basada en su criterio personal

Las actuaciones son suficiente para el género con algunas notas altas inclusive.

Así pues, avalado por nadie y sin más autoridad que el ser un fan del cine más que de ninguna otra cosa, prepárense para una reseña/crítica sin Spoilers y sin ganas de trascender nada más allá que un análisis profundo muy a través de los ojos de su servidor de lo que salió MUY BIEN en el Escuadrón Suicida y también (por que tiene mucho) lo que salió MUY MAL. ¿Están listos? pues... Comenzamos!

Himno al éxtasis de existir: Only Lovers Left Alive. (2013)

"Solo los amantes sobreviven" es entre muchas otras cosas, la resurrección artística del director Jim Jarmusch.

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Introducción:

No es una película apta para cualquiera, puede resultar realmente lenta, pero eso no quita que sea una delicia...

Tiene tiempo que una película de vampiros no me retaba tanto como "Solo los amantes sobreviven" tanto que tuve que echar a andar mi memoria, la cual me hizo hace solo unos días leer un texto de Pier Paolo Pasolini escrito en los años 60, en el que defendía que el actual modelo iba a acabar con el arte. Si bien es cierto que el arte no ha desaparecido, en los últimos años todo lo relacionado con la cultura no ha dejado de sufrir ataques, desde la piratería a los recortes de la censura gubernamental aunque creo yo aun más cruel; La censura de la gente de este tiempo, los estúpidos millenials y su doble moral, su hiper-sensibilidad y mojigatería que han acabado por marginarla. En este contexto de las redes sociales, el activismo de teclado y los "me gusta" en todas ellas nos llegó en 2013 a las carteleras del mundo la última película de Jim Jarmusch, un filme que sin duda incide con todavía más dureza en este mismo miedo de los amantes de la cultura a la extinción de todo pensamiento profundo, artístico que busque la inmortalidad no solo a través de ganar simpatía en masa, si no de dejar un legado que perdure al tiempo.

Sin más por el momento... ¡Comenzamos!

La perfecta pesadilla de Takashi Miike: Imprint. (2006) (+18)

Lo que la TV prohibió y calificó de "repugnante y perturbadora" conoció su verdadera audiencia y su pase a la inmortalidad a través de nosotros, los cinéfilos.

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Introducción:

El director Mick Garris, afirmó sin pudor en el lanzamiento de su serie que, en “Masters of Horror” los directores invitados tendrían una completa libertad al margen de las trabas que les ponían los estudios a nivel técnico y creativo... ¿de verdad habría visto este hombre “Ichi the Killer” o “Visitor Q”? ¿Tendríamos cualquiera de nosotros los cojones de dar  a "El enfant terrible" del cine japonés 60 minutos para rodar lo que quisiese sin absolutamente ninguna limitante?

“Imprint” es la respuesta de Miike, yo creo que el pobre Mick Garris subestimó el poder creativo tan enorme, repulsivo, shockeante y perturbador del director japonés y al atestiguar el resultado final sus declaraciones confesas fueron recibidas por un periodista de la  afamada revista "Rolling Stone" quien registra: "No podemos emitir esto por TV abierta, ni siquiera podemos transmitir esto por cable, salí sintiéndome miserable, enfermo y no se siquiera como volver a tomar de la mano al señor Takashi, de verdad me ha conmovido y no de la mejor manera."

Obviamente, después del escándalo de censura y prohibición desde el mismo director y productor de la serie a la obra del japonés, la credibilidad de Mick Garris es igual de valiosa que un pañal cargado con unos cuantos kilos de mierda.

¿Quieres saber por que Imprint está siempre en el top 5 de toda lista creíble de cine perturbador?

¿Por que el episodio jamás fue transmitido en TV y tuvo que buscar refugio y difusión en el cine?

Advertidos quedan, las cosas se pondrán verdaderamente feas... ¡Comenzamos!

Recuerda: Ten cuidado con lo que deseas, se puede volver realidad... al pie de la letra.