Monsieur Chocolat. (2016) R/R El Payaso que quiso ser Otelo.

Con una de las fotografías más bellas plasmadas en un film de Belle Époque, Roschdy Zem entrega un film lleno de humanismo donde no hay héroes, no hay villanos, solo personas con el sueño de ser felices.

Por: Deadman.
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Introducción:

El cine Francés ha tenido claros y obscuros muy prolongados en ambos lados, donde de repente se vuelve tan pretencioso que se vuelve cine snob, para pseudo-intelectuales que deriva en obras que son lentas, enredadas y un auténtico coñazo capaz de aburrir al cinéfilo más dispuesto a experimentar con la propuesta fílmica del país galo, es de hecho este estigma de 'el cine francés es complicado' el que le costó a Monsieur Chocolat (título más bien reciente de 2017 pues el título original solo es 'Chocolat') algunas críticas negativas sobre todo de ese sector que espera que el cine galo sea por definición uno de narrativa lenta, enredada y profunda, esta película claramente, no es el caso.

La increíble belleza de la fotografía, vestuarios y ambientaciones son el marco perfecto para una historia fantástica sacada de los registros más peculiares de la historia del entretenimiento en la ciudad luz, Paris.

Así pues, al más puro estilo de Hollywood (no por ello es malo) tenemos una historia llena de emociones, tremendamente sentimental que resulta exquisita pues aún siendo una auténtica montaña rusa que va de la risa más sincera en sus destellos de comedia hasta el vacío en el pecho que provoca la tragedia ominosa y todo el tiempo presente pero sin llegar a ser manipuladora ni lacrimógena, que de corazón les digo, es de esas películas que me llegaron por un absoluto accidente (una velada de whiskey con un amigo que quiero mucho, bastante tiempo libre y que él descubrió esta cinta y a bien hizo al compartirme [gracias Hugo]) pero que se ganó mi corazón para siempre, aún sin ser un estreno y que honestamente no tenía ni puta idea de su existencia, está en mi top 5 de películas que he visto este 2017 que está a nada de concluir. ¡Vamos a ver un caso de la vida real, de amistad, de egoísmo, de miseria y de fama, un circo a tres pistas que no permite pestañeo! 

¡Comenzamos!

Pocahontas. (USA, 1995) Respeto y tolerancia cuando el mundo más lo necesita.

Por: Deadman.
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Introducción:

Empezaré con la conclusión no solo de este post, si no de lo primero que me pasó por la mente cuando al fin terminaron los créditos ayer que vi por segunda vez en cine y por enésima ocasión en mi vida esta película: El cine es una experiencia absolutamente íntima y personal. Lo digo por que seguramente quienes siguen este espacio (y en personal a este su servidor) saben de sobra que soy un apasionado defensor de mis afectos y amores cinematográficos. Ayer domingo pude ver Pocahontas desde que la vi por primera vez, cuando yo era un niño y la experiencia no solo fue la misma, ahora con todos mis años, mi experiencia de vida y todo lo que ahora mi consciencia concibe como realidad, puedo decir con los cojones por delante que Pocahontas es por muchísimo, mi princesa de Disney favorita y mi segunda película favorita de Disney solo detrás de The Lion King.

La animación ha sido restaurada, el color retocado y el audio remasterizado el año 2015, en el 20 aniversario de la cinta.

Mientras las canciones y la historia se desarrollaba, me quedaba cada vez mas claro que Pocahontas en su momento no solo no fue suficientemente valorada, si no que en la actualidad sigue sin tener el reconocimiento que debiese, no solo por el pedazo de artistas que desarrollaron una de las películas animadas estéticamente más hermosas del mundo mezclando tecnología por computadora, trazo 90% a mano y técnicas de pintura como la acuarela, el óleo y el gis al pastel, si no por el poder y la vigencia de su mensaje de tolerancia a la diversidad, el respeto a la otredad, a quienes son distintos a nosotros ya sea en su forma de pensar, en su fe o su color de piel, en este 2017 que el mundo se tambalea socialmente entre radicalismos de todo tipo, el valor de Pocahontas radica en eso: Respeto y tolerancia. Así pues, si no temes subir al Kayak de la princesa con más cojones (ovarios en su caso) del universo Disney para encontrar tu destino pues... ¡Comenzamos!

GET OUT (USA, 2017) La nueva cara del racismo?

La polémica artificial, la intención de ensuciar una obra y su autor, son vilezas que deberían estar castigadas por la ley, quizá cuando menos repudiadas por todos los que amamos el cine y la tolerancia social.

Por: Deadman.
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Introducción:

Aclamada por la crítica, reventó Rotten Tomatoes con un 100% por días (actualmente un 99%) la cinta llegó como tren bala a los festivales en los que se presentó la realidad es que Get Out tomó al mundo por sorpresa, en un USA post - Obama que demostró que el racismo, el sexismo y todas las viejas fobias norteamericanas no eran bestias extintas ni tumores extirpados, ese cáncer siempre ha estado ahí, germinando, creciendo bajo la superficie de lo políticamente correcto, de las modas y es a través de la protesta social, de la manifestación artística, de la auto crítica personal como se puede evitar la metástasis, el despertar de esas bestias que han cobrado innumerables vidas, que ha marcado personas de por vida y que ha destrozado familias, condados y a países enteros.

Hay una corriente muy astuta, muy mierda, muy vil tratando de vender en prensa y redes sociales la idea (con toda premeditación y siguiendo una agenda política y de intereses, me queda clarísimo) de que la película es en esencia racista contra la gente afro americana, que es un ejemplo típico de film "bamboozled" (término del Slag cinematográfico que hace alusión a películas en las que se denigra, se hace mofa, humillación, tortura o estigmatización de la raza negra, PERO promoviéndose en el sentido opuesto, o sea "black friendly") y que en realidad este film sataniza a los afroamericanos... nada podría ser más falso, mas vil, mas cobarde o más tendencioso... pero ahondemos en esta película que ante todo, tiene una fuerza gigante más por las intenciones de su escritor y director Jordan Peele que por la historia misma del film, si están listos... ¡Comenzamos!

Ghost in The Shell (2017) El alma sigue intacta, ahí dentro.

Era inevitable caer en la polémica cuando se lleva a una versión de live action con actores mainstream, una obra de auténtico culto como la película de anime estrenada en 1995.

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Introducción:

Desde que esta cinta se anunció en planes en ese ya distante año 2008, cuando Dreamworks y el señor Steven Spielberg adquirieron los derechos de la saga de Masamune Shirou y cuando se anunció el inicio del rodaje en el 2014, los puristas, críticos especializados, otakus y "expertos" de ocasión (esos que opinan lo mismo de política, de religión, de música o de cine en redes sociales y se sienten con la verdad absoluta y con la única opinión con peso real) se abocaron de cara a tirar cuanta mierda se pudo a una cinta que vamos... no tenía ni director confirmado, solo parte del elenco y el equipo que estaba haciendo casting, story boards y los productores (los cuales negociaban presupuesto y conseguían quien aceptase semejante reto) en la locura de siquiera alcanzar la meta de comenzar el rodaje, cuando a finales de ese mismo 2014 se firmó un nombre: Rupert Sanders.

Una de las injurias más constantes a la cinta de Sanders es el presunto "White washing" que se hizo en la cinta, sinceramente no podría estar en mas desacuerdo, no tiene ni pies ni cabeza dicha acusación.

La confirmación de Sanders dirigiendo la versión americana solo añadió más pólvora a la bomba que se estaba armando, ya que Rupert venía de una taquilla mediocre y una polémica versión de "Blanca Nieves" en su film de 2012 "Snow White and the Huntsman" por haber dado un enfoque tan obscuro e incluso atacado y tildado de violento y erótico, para finalmente poner los pelos de punta de todos esos sectores tan idiotas y radicales cuando se confirmó que el papel principal, la Mayor Motoko Kusanagi sería interpretada por la actriz Scarlett Johansson, ríos de tinta y miles de publicaciones en internet iracundas, burlonas, escépticas e incluso infamantes fueron publicadas ya etiquetando al film de basura, de mierda racista y futuro mojón de dimensiones titánicas cuando no teníamos una sola imagen del rodaje, al salir los trailers y con todo que se cuidó al límite cada detalle de los mismos para entusiasmar a los fans de la saga y al espectador no empapado del tema, pareció que se tratase de apagar con gasolina el fuego de la polémica... no es para tanto y aqui les cuento por que pensamos de corazón que esta versión de Ghost in the Shell, vale la pena.
Comenzamos!

Moonlight (2016) La belleza, aún rodeada de obscuridad y maldad prevalece.

Una historia cruda, descarnada, envuelta y rodeada de una inexplicable belleza.

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Introducción:

En plena recta final y a toda velocidad camino a los premios de la Academia de Ciencias y Artes cinematográficas, el Oscar, en cinéfilos anónimos andamos con todo revisando las que, al menos en esencia, pensamos son las más serias contendientes en los premios más gordos, como el más esperado siempre que es sin duda: Mejor Película del Año. Esta vez vamos a visitar "Moonlight" una peli cruda, pero no revolucionaria, realista pero no mórbida ni atrevida, que está dentro de los "pecados" que la crítica le achaca y le reprocha, sin embargo el Director Barry Jenkins tiene otra óptica y quienes aman la película encuentran que la intención de Jenkins era encontrar la rosa creciendo en medio del asfalto de los barrios bajos del USA actual, la oda a la belleza rodeada y amenazada constantemente de mierda y malas intenciones.

Intensa, bella, apasionante y tremendamente poética, así podríamos poner que es Moonlight si de un menú de restaurante fuese, ¿les apetece probar de que va esta que para muchos es, la clara y franca ganadora del Óscar de este año a mejor película aún sobre la multi-glorificada "La La Land"?
pues... ¡Comenzamos!

Taxi Driver (USA, 1976) La soledad me ha seguido toda mi vida...

De noche salen todos los animales, putas, drogadictos, maricones, proxenetas, asesinos...

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Introducción:

Me queda claro que no hemos dimensionado como sociedad, que estamos teniendo la fortuna de vivir en tiempos de algunas de las leyendas más importantes en lo que lleva de vida el séptimo arte, sin temor alguno a errar, puedo decirles que son afortunados de vivir mientras Martin Scorsese crea, dirige y nos deja como especie, su obra. ¿Exagerado? pueden pensar que si, pero yo tengo la certeza de que la obra de una persona tiene como mejor juez el tiempo, aún nos maravillamos de las piezas de Mozart, de Bach, del genio de Da Vinci o de la locura hecha arte que nos dejó Vincent Van Gogh pero creo que así como ya hay leyendas que no están con nosotros en el cine como Alfred Hitchcock o el inmortal Orson Welles estamos ante alguien que de verdad creo será puesto en el mismo nivel de ellos y es que hablar de Scorsese es hablar de piezas inmortales, como Taxi Driver.

¿Por que dices que Taxi Driver es una pieza inmortal? La respuesta es más bien sencilla, por que el tiempo no pasará por ella, y no pasará ni erosionará su contenido por que la realidad allá afuera en tu barrio, en la ciudad en la que vives es exactamente esa (o peor, cuyo caso lamento en verdad) y mientras esa realidad urbana llena de podredumbre, de corrupción, de dolor, de hambra, pobreza, soledad y muerte no cambie, Taxi Driver seguirá vigente como ese crudo y horripilante reflejo de la sociedad que se niega a bien aceptar, a tratar de solucionar y al menos progresar un poco. Aquí Escorsese no solo nos deja una crítica social, nos deja también el retrato vívido, poderoso y dolorosísimo del alma de un solitario como nos hemos sentido todos  alguna vez, en ese típico día en que todo sale mal, en el que nadie parece entendernos... y entonces, todos nos subimos al Taxi, todos nos convertimos en Travis Bickle.

Los días se suceden uno tras otro... y no terminan.