10 Grandes directores que lograron filmar más de 5 obras maestras.

Por: Deadman.
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Introducción:

Todo aquel iniciado en esto de ser amante del cine sabe que, la pieza angular de la creación de una película es sin duda la figura del director, es de hecho quien orquesta (nunca mejor dicho) los esfuerzos de los artistas histriones (los actores), aquel que mueve, coordina y verifica el trabajo técnico y científico detrás de cámaras que va desde el guión, el vestuario, la iluminación, la fotografía, el trabajo de cámaras, edición, sonido etcétera no dejando un solo hueco sin cubrir, es en resumen, el capitán del barco. Así pues, hemos decidido hacer un listado con 10 directores (en realidad y como siempre, terminarán siendo más) que lograron hacer 5 películas (en realidad y como siempre, terminarán siendo más) que la historia del cine y sus amantes consideran Obras Maestras.

Akira Kurosawa fue sin duda, genio de su tiempo y creador de una escuela propia del cómo hacer cine.

Es sencillo ver de hecho, que la mano del director es tan ominosa y presente, que cada uno de los grandes directores aquí enlistados crearon un "Way to do" o modo de hacer las cosas, lo que ahora se le conoce como la "firma del director" y es que así como la profundidad filosófica distingue la obra de Tarkovsky, la simetría y denuncia de Kubrick, el plot twist de Hitchock, cada director aquí enlistado tiene "su sello" que le distingue, aquel que lo encumbró y le dio un lugar en los libros de historia del cine, es en gran parte por esa marca personal, que muchos directores trascienden o se hunden, por ejemplo Tarantino tiene un estilo muy personal de hacer cine, pero seríamos mentirosos si le diésemos el adjetivo de "creador" cuando su estilo y firma son mas bien una amalgama de sus influencias de todo el mundo. Al final el director es quien nos hace amar u odiar un film, es (junto a los productores, los que ponen la pasta $$$) quien toma las decisiones y hacen que al final, quede una película más del montón, o una obra que ha aportado algo con su arte a la sociedad.

Woody Allen dirigiendo "Radio Days" en 1986

Menciones Honoríficas:

Ingmar Bergman (1918-2007)

Algunos críticos lo aman y otros aman odiarlo, pero nadie ha acusado nunca a Ingmar Bergman de no saber exactamente lo que estaba haciendo. Al igual que Fellini, Bergman comenzó como guionista. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de los otros en esta lista, también estuvo muy involucrado en el teatro, no solo al comienzo de su vida profesional sino durante todo el proceso (incluso después de que supuestamente dejó de dirigir películas). Aunque no adaptó, de manera algo extraña, ninguna puesta teatral notable a la pantalla (escribió prácticamente todo lo que él mismo dirigió), hay una cualidad teatral decidida en muchas de sus películas. Como cualquier hombre del teatro, ama a sus actores y obtuvo un trabajo extraordinario de ellos, especialmente las muchas actrices que fueron sus musas a lo largo de su vida creativa (muchas de las cuales tuvieron relaciones personales con él). El director sueco realmente luchó con el lugar de Dios, o la ausencia de Dios, en la vida de sus personajes. Algunos han sentido frialdad en su trabajo, pero una mirada más cercana solo muestra que está viendo la fragilidad humana y el hecho de que nosotros como personas tenemos una capacidad de crueldad no solo para con los demás sino también (de manera deprimente) para con nosotros mismos.

Obras Maestras:

Det sjunde inseglet (The Seventh Seal) 1957

Smultronstället (Wild Strawberries) 1957

Såsom i en spegel (Through a Glass Darkly) 1961

Persona 1966

Viskningar och rop (Cries and Whispers) 1972

Scener ur ett äktenskap (Scenes from a Marriage) 1974

Fanny & Alexander (1982)

Jean-Pierre Melville (1917-1973)

Para muchos estudiosos, Melville es un director de género como etiquetan a Hitchcock (mucha de su obra está orientada a temas criminales) y sin embargo, la realidad es que él, es mucho más que eso, es el amo de la tragedia griega trasladada a las calles de su tiempo, para Jean-Pierre, el protagonista no es el crimen si no el criminal, la tragedia de la víctima y de como la sociedad engendra todo tipo de fauna nociva... siempre humana por cierto y, a diferencia de cientos de directores, su obra no ha hecho si no mejorar con el tiempo, que es quien ha dado justicia a un genio que en su tiempo fue truncado por una vida corta y un público que no entendía el legado de un inspirado que estuvo adelantado a su tiempo. Cuentan sus contemporáneos que siempre fue a su bola, que solo rodó lo que le apetecía, que lo sabía todo del cine, o sea, que podía compaginar guion, producción, montaje y dirección. Incluso accedió a una inquietante aparición como actor en Al final de la escapada, firmada por Godard que, al igual que sus colegas de la nouvelle vague, admiraba la obra de Melville. Sin duda el francés es, el dios de mostrar en pantalla lo máximo con lo mínimo, dominando por completo la nostalgia resignada, la soledad épica, fatalismo sin lloriqueos y finales tan trágicos como consecuentes.

Obras Maestras:

Le Silence de la mer 1949

Bob Le Flambeur 1956

Le Doulos 1962

Le deuxiéme Souffle 1966

Le Samourai (1967)

L'armée des ombres (Army of Shadows) 1969

Le Cercle Rouge 1970

Steven Spielberg (1946-Vivo)

El llamado buen boy scout de Hollywood, el nunca polémico, el no osado, el director que pase lo que pase eludirá generar cualquier tipo de debate acalorado con sus películas es irónicamente, uno de los temas más polémicos siempre en los tops y listados de grandes directores donde, quienes escriben al respecto en una actitud francamente snob, le infravaloran tildando Spielberg siempre de una especie de Mc Donalds del cine norteamericano, pelis para todos, sin complejidad y que se venden bien. Y ¿saben? quizá tengan razón, pero eso no quita en absolutamente nada la cantidad enorme de aportes técnicos, mercadológicos, publicitarios y hasta artísticos que el judío estadounidense brindó a la industria del séptimo arte. Steven y su modo de hacer cine literalmente creó el calendario cinematográfico que hasta la fecha nos rige, el llamado "Summer Blockbuster" es ni más ni menos producto del éxito sin registro anterior que tuvo "Jaws" en el año 1975, de ahí en adelante se abrieron muchísimas estrategias siguiendo los pasos de quien en esos años, solo era una joven promesa del cine. Si, absolutamente es el dueño de quizá las películas más palomiteras de la lista, sin duda es el director que en estos tiempos amas u odias, pero sería hipócrita e ignorante hacer la vista gorda de glorias como Schiendler's List, Saving Private Ryan, A.I. o Jaws... yo sé que a los más snobs no les gustará su inclusión aquí, pero me parece que como mención honorifica mínimo lo merece.

Obras Maestras:

Jaws 1975

Close Encounters of the Third Kind 1977

E.T. The Extraterrestrial 1982

Jurassic Park 1993

Schiendler's List 1993

Saving Private Ryan 1998

Artificial Intelligence: A.I. 2001

Bridge of Spies 2015

Ahora, nuestro listado.

(Que ojo, no es un top)

1.- Robert Bresson (1901-1999)

Comenzamos fuerte, con una de las voces filosóficas más célebres y puras de la historia del cine, lo que Bresson dejó como legado a la humanidad es un cúmulo de reflexiones sobre la vida que vale la pena re descubrir y valorar en pleno 2018 que parecen más necesarias que nunca, la visión casi clínica del francés se vuelve una tesis del comportamiento humano que, a pesar de las décadas, sigue estancado en el egoísmo, en la terca y ciega necedad humana de la búsqueda del poder por el poder, de lo inútil de muchos de los esfuerzos que tenemos ante la realidad que vivimos y el como sobrevivir se vuelve el pretexto perfecto del hombre para ser soberbio y cuyo único escape moral está en el ascetismo. Director minimalista que desdeñaba el estrellato en los actores (de hecho siempre eligió novatos, principiantes o grandes anónimos) para priorizar el contenido sobre la envoltura y el mensaje sobre el mensajero a tal grado que "Al azar de Baltasar" es descrita como el gran ejemplo de su obra, como "La vida en hora y media" es francamente impresionante.

Obras Maestras:

Journal d'un curé de campagne (The Diary of a Country Priest) 1951

Un condamné à mort s'est échappé ou Le vent souffle où il veut (A man Escaped) 1956

Pickpocket 1959

Au Hazard Balthazar 1966

Mouchette 1967

Lancelot Du Lac (Lancelot of the Lake) 1974

2.- Alfred Hitchcock (1899-1980)

Gran parte de la reputación del director inglés durante su carrera fue ser conocido como "el maestro del suspenso", una denominación exacta, si se limita en sus propias connotaciones. Sí, trabajó en el género de suspenso, pero sus obras son mucho más que simples películas de género. Hitchcock hizo algo que pocos cineastas hoy pueden reclamar: comenzó en la parte inferior de la cadena alimenticia de la selva cinematográfica y siguió subiendo hasta ser el máximo depredador y habitar en la cúspide de su obra durante muchísimos años, aprendiendo sobre todos los aspectos de la realización de películas en su camino. Por ese camino conoció y se casó con Alma Reville, una experta en edición, continuidad y suavizado de un guión. Los dos trabajaron estrechamente al unísono para todas sus carreras restantes y Hitchcock demostró ser un alumno apto de ella, obviamente en una relación así de ligada y estrecha no ha faltado quien diga que la verdadera estrella es Reville y ni duda cabe que tiene un porcentaje enorme en el éxito de muchas películas de Sir Alfred pero sería también injusto infravalorar la visión tan única, esa astucia de planos y narrativa que aún a estas fechas tantas nuevas generaciones aspiran siquiera a emular.

Obras Maestras:

Rebecca 1940

Notorious 1946

Rope 1948

Rear Window 1954

Dial M for Murder 1954

Vertigo 1958

North by Northwest 1959

Psycho 1960

3.- Andrei Tarkovsky (1932-1986)

Ciertamente los poetas, como tales, no existen en el cine comercial (ciertamente no en Hollywood), pueden encontrarse en el cine independiente y de autor, pero incluso entonces, su existencia parece bastante limitada. Pero aquí, les presento a uno de los más grandes cineastas poéticos, el director soviético Andrei Tarkovsky. Las películas que figuran aquí se acercan tristemente, a ser toda su filmografía. Sí, él, al igual que su compañero anterior soviético, Sergei Eisenstein, vio su carrera arruinada por la interferencia del gobierno, lo que llevó a que las películas fueran censuradas y largamente retenidas en bodegas, así como él mismo que fue obligado a largos períodos de inactividad forzada. Al igual que los otros enumerados aquí, Tarkovsky aprendió su oficio de abajo hacia arriba y supo contar las historias que expresaban su corazón y su mente. Sin embargo, 'historia' podría no ser la palabra correcta para lo que relató en sus películas. Sí, había tramas y personajes, pero una película de Tarkovsky siempre parece estar tratando de expresar una idea, un sentimiento, un estado de ánimo a menudo difícil de entender. Tarkovsky estaba realmente interesado en el alma y el espíritu humanos y consecuencia directa de ello es que, ninguna película de Tarkovsky es "fácil", suelen ser largas en su duración, de ritmos variables y deliberadamente lentos, pero para los cinéfilos más avezados y aventureros será una experiencia inolvidable.

Obras Maestras:

Ivanovo Detstvo (Ivan's Childhood) 1962

Andrei Rublev 1966

Solaris 1972

Zerkalo (The Mirror) 1975

Stalker 1979

Nostalghia 1983

Offret (The Sacrifice) 1986

4.- Akira Kurosawa (1910-1998)

El "Emperador del Cine" era muy versátil; sin duda, podría crear películas de acción vibrantes (Seven Samurai y Yojimbo serían geniales solo sobre esa base), pero incluso eso fue informado por el profundo humanismo que marcó cada uno de sus trabajos. Donde Ikiru se encuentra entre los dramas que buscan el alma más honestamente, Yojimbo puede verse como una película de aventuras cómicas, pero una que tiene éxito porque el creador entiende la naturaleza humana tan bien. Rashomon, que explora la naturaleza subjetiva de la verdad, podría ser solo una película de artimañas, pero trasciende esa etiqueta por su profundo conocimiento de la psique humana. Todo esto está casado con un estilo que muestra que el fabricante conoce la cámara, sus lentes y cómo usarlos (tengamos en cuenta el uso de lentes largos en escenas clave en Seven Samurai lo cual era absolutamente novedoso en su época). Tristemente, se pensó que Kurosawa era "menos" en su tierra natal por ser demasiado "occidental" en su filmación (y Hollywood había rehecho con éxito más de una película de Kurosawa). No, no exploró incansablemente el personaje de su país como su igual de gran contemporáneo Yasujiro Ozu, pero los que no lo hacen extrañan que representó a una humanidad más grande con habilidad e integridad consumadas. En resumen, el legado de Kurosawa es mucho más grande y duradero de lo que sus propios fans y detractores pueden contemplar, este director japonés fundó una escuela, un modo de hacer cine que siguen conscientes o no, generaciones completas.

Obras Maestras:

羅生門 (Rashomon) 1950

生きる (Ikiru) 1952

七人の侍 Shichinin no Samurai (Seven Samurai) 1954

蜘蛛巣城 Kumonosu-jō (Throne of Blood) 1957

用心棒, Yōjinbō (Yojimbo) 1961

天国と地獄, Tengoku to Jigoku (High and Low) 1963

乱 Ran 1985

5.- Federico Fellini (1920-1993)

El joven Federico, aquel muchacho de las provincias de Italia comenzó, al igual que varios en esta lista, en posiciones menos dominantes y con menos reflectores que la de director y poco a poco fue conquistando la hechura del cine desde sus cimientos, comenzó como guionista, especialmente durante la famosa era neorrealista de Italia, sus primeros esfuerzos como director muestran algo del encanto, el ingenio y la habilidad que mostraría cuando su talento floreció por completo. Sin embargo, en 1953, hizo lo que a los que desean convertirse en escritores siempre se les aconseja hacer: escribir sobre lo que sabes. Dio un paso más al escribir y dirigir su primera película autobiográfica y su primera obra maestra, "I Vitelloni", que hábilmente contaba una versión ligeramente ficticia de sus días de juventud entre amigos que no poseían su talento o unidad. Por ejemplo con "La Dolce Vita", su relato de la Roma posterior a la Segunda Guerra Mundial visto a través de los ojos de un periodista muy parecido al propio Fellini, podría haber peonunciado una seria advertencia sobre una sociedad caprichosa y doble moralista, pero por los extraordinarios toques que Fellini le aportó, se ha convertido en una obra referente de la historia del cine. Fellini es el maestro absoluto de la honestidad a cuadro, de las emociones a flor de piel, de ver la vida a través de los ojos de alguien más, alguien que amó estar vivo cada segundo que pudo estarlo.

Obras Maestras:

I Vitelloni (1953)

La Strada (1954)

Le Notti di Cabiria (1957)

La Dolce Vita (1959)

8 ½ (1963)

Amacord (1973)

6.- Luis Buñuel (1900-1983)

Hay que decir que, aparte de las muchas leyendas y hechos reales (igualmente fantásticos) que envuelven la vida de Luis Buñuel, decirles que tiene la reputación de ser el maestro del surrealismo del cine no es poca cosa, pero si les platico que la iglesia católica como institución le prohibió volver a hacer cine tras haber visto la alegremente herética y blasfema "L'Age D'Or" ya estamos hablando de otra cosa. Tras huir a América del norte (específicamente a México) a terminar de pulir su propio legado pero ¿Qué hace que una película de Buñuel sea especial? En primer lugar, fue un crítico implacable de las instituciones sociales establecidas que consideraba anticuadas, ilógicas, hipócritas, inhumanas y brutales. En otras palabras, estaba en contra de la élite social, el gobierno y la iglesia, no necesariamente en ese orden y así nos dejó su legado, con el puño de la protesta apuntando al cielo. Por lo mismo, está claro que Buñuel vino al mundo a hacer cine, no amigos pero, a pesar de lo deliberadamente transgresor de su obra, no demerita ni un poco su mérito artístico, casi onírico de mostrarnos un mundo que él amaba, pero cuya élite habitante detestaba por lo que consta en declaraciones como esta joya: "El mundo sería un lugar precioso para transitar esto que llamamos vida, de no ser por que hay un grupo de imbéciles que creen ser mejor que los demás ya sea por dinero, por su posición de poder o su afiliación política y religiosa cuando al final del camino, serán cadáveres putrefactos igual que la persona más humilde, toda esa gente debería extinguirse como la peste mas detestable de nuestra historia como especie."

Obras Maestras:

Un Chien Andalou (1929)

L'Age D'Or (1930)

Los Olvidados (1950)

Viridiana (1961)

El Ángel Exterminador (1962)

Belle de Jour (1967)

Le charme discret de la bourgeoisie (1972)

Le fantôme de la liberté (1974)

Cet obscur objet du désir (1977)

7.- Rainer Werner Fassbinder (1945-1982)

Ostentoso, excéntrico, teatral... casi barroco, Fassbinder es un caso absolutamente delirante de genialidad en la historia del cine alemán y mundial, fascinado por dos cosas generales: el mundo del teatro / cine y la historia relativamente reciente y tortuosa de su país (Alemania Occidental en su época). Se podría decir que amaba esas cosas, pero el amor / odio parecía ser lo más cercano que podía a casi todo en su relativamente corto tiempo de vida biológica en la Tierra. Sin embargo, la palabra truncada solo se usará para describir lo que no fue su salida: aunque murió (de la manito de sus propios excesos) cuando tenía poco más de cuarenta años, ¡creó unas 44 películas! No, no todas eran obras maestras, pero vaya que dejó más de 5 que sin problema son consideradas así. Su otro gran amor aparte del cine que fue tópico en común en todas sus películas; las personas "que no encajan" en la sociedad, en esos años ser gay era socialmente repudiado y de hecho el alemán fue un gran impulsor de la visión homosexual como un elemento que merece el mismo respeto y derechos que el resto de la sociedad, sin duda un vanguardista absoluto.

Obras Maestras:

Händler der vier Jahreszeiten (1971) The Merchant of Four Seasons

Die bitteren Tränen der Petra von Kant (1972) The Bitter Tears of Petra Von Kant

Welt am Draht (1973) World on a Wire -Film para TV-

Angst essen Seele auf (1974) Fear Eats the Soul

Faustrecht der Freiheit (1975) Fox and His Friends

Chinesisches Roulette (1976) Chinese Roulette

Die Ehe der Maria Braun (1979) The Marriage of Maria Braun

Berlin Alexanderplatz (1980)

8.- Woody Allen (1935-Vivo)

Tras unos inicios caracterizados por un tipo de comedia alocada, culta y muy sesentera (influenciada especialmente por Mort Sahl), su cine evoluciona hacia la disección de una serie de constantes (sexo, muerte, psicoanálisis, religión, urbe, neurosis, arte) influenciadas cada vez más por el cine europeo. En su filmografía encontramos desde dramas bergmanianos hasta musicales en clave de Cole Porter, además de una última etapa que ha sido definida una y otra vez como "vacacional". También ha aparecido como actor en películas de otros, a veces incluso como hormiga animada. Y ha escrito obras teatrales. Y publicado libros. Y acaba de firmar con Amazon Studios para desarrollar una serie... Allen es sin duda la cebada de todas las cervezas, está en todos lados, incluso del lado turbio y lamentable de la historia del cine, pesan sobre el acusaciones de acoso sexual, de ser un hombre lascivo y morboso que hostiga y asecha a sus actrices con amenazas y acercamientos no consentidos al grado de tener también, acusaciones de pedofilia y sacrificios animales rituales. ¿Que es leyenda y que es verdad? solo el tiempo nos lo dirá, lo que es innegable es su legado como director y lo que su estilo tan personal ha aportado a la industria.

Obras Maestras:

Manhattan (1979)

Annie Hall (1977)

Crimes and Misdemeanors (1989)

Hannah and her sisters (1986)

Match Point (2005)

9.- Martin Scorsese (1942-Vivo)

El mundo poco a poco y muy paulatinamente, el mundo ha ido descubriendo lo inevitable, que estamos ante una leyenda viva (a Dios gracias en serio) del cine del tamaño de cualquiera de los grandes iconos de la historia del séptimo arte y muy debatiblemente, uno de los más grandes entre ellos, el chico nacido de migrantes italianos tuvo siempre en el cine a su mejor amigo, en una casa donde la TV solo era un espacio para ver películas viejas y escuchar a la familia gritando y peleándose todo el día, suena de puta madre tener la opción sana de la peli para escapar de esa mierda de entorno... y eso lo iluminó. Es al día de hoy que tenemos a Scorsese como uno de los directores más pródigos jamás vistos y si bien no todas sus películas son consideradas obras maestras, nadie discute el tamaño de Martin en la industria. ¿Aportes? yo soy de los que considera a Martin el amo del ritmo narrativo, no solo a través del diálogo (del cual también es el amo absoluto con la cadencia de los mismos y los tiempos en que entran) si no que a través de la situación y el entorno puede perfectamente contarnos una historia o una clave de la misma sin pronunciar palabra alguna. Il Capo di tutti capi sin duda y mi favorito personal solo detrás de Stanley Kubrick.

Obras Maestras:

Mean Streets (1973)

Taxi Driver (1976)

Raging Bull (1980)

After Hours (1985)

Goodfellas (1990)

Casino (1995)

Gangs of New York (2002)

The Aviator (2004)

Wolf of Wall Street (2013)

10.- Stanley Kubrick (1928-1999)

Está claro que la grandeza de un director no depende ni dependerá de cuantos premios Oscar ganaste o ganarás y Kubrick es la prueba máxima de ello (¿pueden creerlo? la academia solo le dio un Oscar "técnico" en 1968 por 2001: A Space Odyssey por mejores efectos especiales) por lo que sin duda es de las deudas y vergüenzas máximas que reposarán siempre en la historia de la Academia norteamericana. A diferencia del prolífico Hitchcock, que le dio al cine mundial 53 películas y diversos esfuerzos de televisión, la producción de Kubrick se sitúa en 13 películas y algunos temas cortos tempranos. Sin embargo, a diferencia de algunos de los otros en esta lista, la salida de Kubrick no fue truncada, abreviada, limitada por fuerzas externas (políticas, religiosas o legales), o restringida por un tercero, solo que el era un perfeccionista obsesivo y legendario que siempre se conformaría con nada menos que cosas hechas "de la manera correcta" (es decir, a su manera, correcta o incorrecta) aunque eso, tomase años.

Que el camino de Kubrick fuera a menudo correcto es una señal de su genio cinemático, al menos durante la mayor parte de su carrera. Una cosa notable de su historia profesional que rara vez despierta comentarios es que desde el comienzo de su carrera (el corto The Day of the Fight en 1950) a través de Barry Lyndon, cada película de Kubrick parece avanzar sustancialmente sobre sus predecesoras. En casi cualquier punto de su carrera, habría estado en un nivel al que pocos podrían acercarse, pero siguió planteándose desafíos por sí mismo. Kubrick comenzó su carrera como fotógrafo, especialmente para la revista Look. El entrenamiento para esa ocupación, obviamente, permaneció con él a lo largo de su carrera. Prácticamente cada fotograma de una película de Kubrick podría pasar por alto como una imagen para un libro de mesa de café o un periódico de alta gama (y muchos han terminado en libros). También hay, debido a este hecho, una majestuosidad y quietud para las películas de Kubrick. Incluso cuando los personajes participan en actividades estridentes (como Dr. Strangelove, Clockwork Orange e incluso The Killing) son ellos y no Kubrick con su cámara quienes exhiben esa calidad.

Las personas que habitan en las películas de Kubrick a menudo son extremas y con frecuencia viven fuera de las convenciones de la sociedad (tira un dardo a los títulos de Kubrick en un tablero y luego elige un personaje principal y, lo más probable es que ejemplifiquen este hecho). Una película de Kubrick se moverá a su propio ritmo medido con la técnica formal y observará a la gente haciendo las cosas más desagradables. Sin embargo, la atracción de las dos fuerzas parece crear una tensión memorable que, con frecuencia, se imprime en la psique del espectador y lo marcan para siempre.

Eterno Stanley Kubrick.

Obras Maestras:

Killer's Kiss (1955)